Estruturado a partir de um roteiro não linear, o filme Amarcord de Felinni representa alto grau de neo-realismo no cinema. Não existe aqui uma ordem cronológica de acontecimentos. Como em um sonho, recordações fragmentadas dão forma ao coletivo. A estrutura lógica não possui espaço, o realismo ganha asas e transcende o princípio holywodiano. Uma obra prima, um sopro de nostalgia, surrealismo e recordações.
De certo modo acho que nunca tinha assistido um romance inteligente, um romance que me fizesse refletir sobre a vida, relacionamentos e tudo mais. Tudo bem que os clichês hollywoodianos tornam isso um tanto quanto difícil e acabamos encontrando sempre o mesmo padrão estereotipado nos cinemas. Mas esse filme de certo coloca varias cartas na mesa. Será que relacionamentos duradouros conseguem manter sua essência sem se desgastar com o tempo? Será que apenas compreendemos o amor nos momentos singulares e temporários ou será que ele pode ser compreendido e construído com a experiência da convivência? Talvez exista uma resposta para cada pergunta, talvez não. Talvez cada amor seja singular e difícil de ser comparado. Contudo, o filme deixa claro que sempre haverá uma noite inesquecível, um momento “antes do amanhecer” ou um momento “antes do por do sol” que podem traduzir um significado muito mais valoroso do que anos de relacionamentos e de declarações de amor.
Kubrick não se preocupou em criar um filme nostálgico ou com um final surpreendente como ocorre na maioria de suas obras primas.
No filme Barry Lyndon de 1975, a leveza toma forma, a seqüência linear dos fatos é suave e lírica, as cenas apresentam contornos graciosos tornando o conjunto harmônico e belo.
Aqui, cada frame é uma obra de arte devendo ser analisado seguindo princípios iconográficos para a compreensão da sua real beleza e significância.
Não é atoa, portanto, que o filme ganhou o oscar de melhor direção de arte em 1975 .
Vanguardista, inovador, futurista, catártico e abstrato, na minha concepção algumas palavras que poderiam definir a cena final do filme " 2001 uma odisséia no espaço" chamada: Para além do infinito.
Acredito que não existe aqui uma lógica explícita, um significado conceitual, tudo caminha pelo campo da ação abstrata, do intangível. A metafísica parece ganhar forma e corpo, é visível mas ambígua, real mas também supra-real.
Para além do infinito,por ser essência é inovador, por ser transcendente rompe, por ser vanguardista inova e por ser inconsciente é surreal.
Uma cena, uma luta, uma nova perspectiva, um novo olhar cinematográfico. Kubrick em seu primeiro filme como diretor mostrou ao mundo que ainda existiam muitas formas de se explorar posicionamento e enquadramento de luz e câmera.
Tudo fica a encargo da luta de boxe, uma cena de aproximadamente 5 minutos do filme " A morte passou por perto" de 1955. Genialmente planejada, a luta é filmada de dentro pra fora, ou seja, Kubrick filma os boxeadores a partir do interior do combate, como se o expectador estivesse diretamente relacionado a cena. Planos fechados das luvas e dos rostos também ajudam a dar essa impressão, sendo que o movimento das mãos é destacado através de uma perspectiva de filmagem abstrata: não é possível ver claramente o movimento das mãos, mas sim um contexto de interação entre os personagens.
Em "A morte passou por perto" o argumento é colocado em um plano secundário: o que importa é a dimensão de cinema-cinema. Um trabalho de força plástica, de expressão rítmica que muitas vezes não foi compreendido em sua grandeza. ( Glauber Rocha, O século do cinema)
Não explicarei aqui quem foi Hitchcock e sua importância para o cinema. Portanto, decidi apenas analisar a linguagem cinematográfica deste gênio do suspense em uma cena clássica de seu filme "Psicose" Pode-se dizer que o grande lance da estrutura/linguagem cinematográfica nessa cena, fica por conta da utilização dos recursos advindos da própria técnica de filmagem. Neste sentido, os grandes primeiros planos do chuveiro, das mãos, da faca e do rosto, constituem os elementos, que somados, formulam a originalidade, acabando por criar e constituir todo o clima de suspense. Alem deste aspecto preponderante, vale ressalta que a atmosfera criada pela sonoplastia aguda e pesada auxilia em muito este clima de suspense e terror proposto por Hitchcock.
O cineasta francês da era Nouvelle Vague passou durante sua infância algo como uma juventude transviada . Truffaut era um pequeno delinqüente que matava aulas e cometia pequenos furtos para assistir filmes no cinema, sempre sua maior paixão. E foi justamente baseado nos conturbados anos de vadiagem de Truffaut, que surgiu seu primeiro filme “Os incompreendidos” de 1959. O mais curioso dessa história toda é que o filme havia sido rodado sem som, posto mais tarde, pois Truffaut não tinha dinheiro para o equipamento de gravação. Outro fato interessante é que não existia um roteiro fixo, sendo assim as cenas eram gravadas na base da improvisação.
Mas, situando o filme, pode-ser dizer que o brilhantismo do cineasta fica por conta da cena final, onde Antonine: jovem problemático que havia sido expulso de casa e que então foge do reformatório, corre em direção ao mar em uma belíssima seqüência de imagens. Finalmente ao pisar na areia, onde as ondas morrem, ele virasse levemente para a câmera e a imagem congela, o filme acaba!
Tudo bem, mas então qual seria o real significado daquela cena final? Pode-se dizer que o mar, em uma reflexão conotativa, representaria a imensidão de um plano infinito, a fuga de todo o sistema repressivo, em direção ao desconhecido, ao novo, a busca incansável pela liberdade e pela esperança que tange o espírito jovem.
